Nell’ambito dell’estetica e della storia dell’arte contemporanea, negli ultimi decenni, si è assistito a una crescita dell’interesse teorico su quelle pratiche artistiche che affrontano temi sociali e politici, che coinvolgono le comunità tramite l’uso di metodi processuali e collaborativi. Pratiche che si sviluppano nelle città, nello spazio pubblico, fuori da musei o gallerie. Con un saggio del 1977 del critico d’arte Enrico Crispolti per la prima volta, nel dibattito critico italiano, viene affrontato il rapporto tra produzione artistica e attività sociale (Crispolti, 1977). L’artista si pone in una condizione di ascolto delle necessità e problematiche che vengono dalla cittadinanza, dal sociale stesso, e nel suo spostarsi dai luoghi istituzionali a quelli della vita quotidiana ha la possibilità di sperimentare modalità operative differenti rispetto quelle della cultura dominante. La critica inglese Claire Bishop, nel 2006, teorizza il Social Turn delle arti, un ritorno al sociale costituito da una serie di tentativi volti a ripensare l’arte collettivamente. Individua tre momenti storici strettamente connessi a movimenti per il cambiamento sociale: le avanguardie storiche che si sviluppano intorno al 1917; la “neo-avanguardia” che conduce al 1968; l’arte partecipativa degli anni Novanta legata alla caduta del comunismo nel 1989. ‹‹Ciascuna fase è stata accompagnata da un ripensamento utopico della relazione tra l’arte, il campo sociale e il suo potenziale politico – manifestato attraverso una riconsiderazione dei modi in cui l’arte è prodotta, consumata e discussa.›› (Bishop, 2012. p: 15). La svolta sociale nell’arte ci porta ad affrontare un problema metodologico: l’arte partecipativa è spesso in difficoltà a sintetizzare il processo in un’immagine finita, a valorizzare in un’immagine una dinamica di gruppo o una situazione sociale, per cui le analisi visive non risultano sufficienti. ‹‹L’arte partecipativa ci richiede nuovi modi di analizzare l’arte che non sono legati più esclusivamente alla visualità, anche se la forma rimane un vettore cruciale per comunicare un significato.›› (Bishop, 2012. p: 19) Da una prospettiva disciplinare, qualsiasi arte che coinvolge le persone, la comunità, che si impegna nella società, richiede una lettura metodologica che almeno in parte dovrebbe essere sociologica o legata a temi della filosofia politica.
Il presente intervento si propone di discutere l’apparato teorico che ruota intorno alle pratiche artistiche partecipative e al Social turn nell’estetica e nell’arte contemporanea, mostrando specifici case studies su progetti artistici che coniugano l’indagine sociale alla produzione simbolica di un’immagine. Un esempio è il lavoro dell’artista tedesco Hans Haacke che, dagli anni Settanta a oggi, ha prodotto alcuni lavori chiamati Visitor Profiles o Visitor Pool. Haacke propone ai visitatori delle sue mostre un questionario composta da domande legate alla vita privata delle persone e domande che chiamano in causa le loro personali opinioni su questioni socio-politiche attuali. Le risposte sono analizzate in tempo reale e i risultati assoluti, la loro suddivisione in percentuale e le correlazioni dei dati demografici con le opinioni vengono integrati continuamente, trasformati in immagine e affissi pubblicamente nello spazio della mostra. Si produce così un profilo socio-politico del pubblico del museo che aiuta a far luce sul contesto sociale in cui l’arte è prodotta, presentata e recepita. Un ulteriore e più recente esempio è il lavoro del The Institute for Infinitely Small Things, un collettivo interdisciplinare attivo a Boston che dal 2004 conduce progetti e ricerche partecipative che mirano alla trasformazione temporanea degli spazi pubblici attraverso performance, conversazioni e interventi inaspettati volti a indagare le “piccole cose” sociali e politiche della vita quotidiana.
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